MÚSICA DEL RENACIMIENTO


Greensleeves:



  CONTEXTO

  Durante los siglos XV y XVI  (aprox. 1430-1600) se desarrolló en Europa un movimiento cultural: el Renacimiento. El término Renacimiento hace referencia a un renacer cultural, artístico y filosófico, basado en el pensamiento humanista, y busca clásico greco-romano como punto de referencia.
  Italia fue el núcleo inicial del Renacimiento, siendo sus primeras manifestaciones en ciudades como Florencia y, más tarde, Roma y Venecia. Allí surge el MECENAZGO, promocionado por familias como los Medicis o los Pitti en Florencia, los Borgia en Roma.
 El Renacimiento fue tanto una forma de cultura, definidora de una época, como una forma de pensar y de vivir. A nivel filosófico es el Humanismo la nueva corriente filosófica, colocando al hombre como centro de todas las cosas; del teocentrismo medieval se pasa al antropocentrismo, pero sin perder  importancia la Iglesia. 
  Es el momento de la Reforma protestante, y la Contrarreforma católica con la consiguiente separación de los cristianos: Católicos y Protestantes.
  El Renacimiento es también la era de la brújula, de la imprenta, del descubrimiento de América...

 Si hasta entonces la actividad musical más importante tuvo lugar en el seno de la Iglesia, en el  Renacimiento se extendió a los palacios de la nobleza, donde comenzó a ser valorada por sí misma, por su capacidad para transmitir emociones y sentimientos, y a practicarse por placer y por su propia belleza. Se restaura el pensamiento platónico de que la música perfecciona a la persona, y así queda reflejado en II Cortigiano, de Castiglione, y en los escritos de Lutero.   
  Príncipes y grandes duques mantenían agrupaciones de músicos, llamadas CAPILLAS, a su servicio, a imitación de las catedrales, en las que un número variable de cantores, normalmente entre quince y veinte, hacían música presididos por un MAESTRO DE CAPILLA.
  Por primera vez aparecen compositores, creadores individuales con nombre propio, como Josquin des Prez.
 El oficio de músico.- el músico se inicia cantando en un coro; además del estudio de la voz y su repertorio, aprende la técnica instrumental y si tiene talento aprende de sus maestros los rudimentos de la composición. Si sus dotes musicales son buenas, puede acabar como maestro de capilla, recibiendo un salario por ello. El músico de Iglesia es ante todo organista, aunque a veces llegará a componer su propio repertorio. El MAESTRO DE CAPILLA, organista, compositor y director de coro, se encarga de buscar cantores y de su formación. 
   En esta época se escriben importantes tratados: Liber de arte contrapuncti de TinctorisInstitutiones armonicas de ZarlinoDodecachordon de Glareanus.

  


  
 Características de la música del renacimiento

   La música de los S.XV y XVI a diferencia de otras artes, no contó con obras originales para su inspiración en la Antigüedad (aunque al igual que en el resto de las artes se produce un renacer o renovación), por el contrario, la música del Renacimiento fue más bien la culminación de la polifonía del gótico.
 Características: 
 
 A. Es música polifónica, generalmente a cuatro voces o partes independientes (hasta ocho a finales del Renacimiento) , es decir,  donde todas las voces tienen igual importancia. 
 La polifonía la podemos encontrar en su forma vocal, instrumental o mixta. Se clasifica en polifonía contrapuntística y polifonía homofónica:

    1.-La polifonía contrapuntística, o contrapunto, es aquella donde el ritmo de las melodías es independiente; por ello, da la sensación de que discuten entre ellas nota contra nota, punto contra punto. El canon es un buen ejemplo de este tipo de polifonía.  

       - Se emplea la IMITACIÓN como técnica compositiva. cONTRAPUNTO IMITATIVO: las diferentes voces cantan los mismos motivos musicales de manera alternada, como si se imitasen entre sí. Fue un recurso muy utilizado Para conseguir la variedad mezclaban en una misma composición partes de contrapunto imitativo, partes de polifonía libre y partes de textura acórdica, donde todas las voces cantan las mismas sílabas al mismo tiempo. 

  2.-También se empleará la homofonía/homorritmia, sobre todo en la música religiosa a partir del Concilio de Trento, debido a que lo importante será el entendimiento del texto. 
   La polifonía homofónica, u homofonía es aquella donde el ritmo  de las melodías coincide, por lo que da  la sensación de que las voces van unidas.

    B. El cantus firmus es otra técnica compositiva, en la que una voz canta una melodía gregoriana mientras las otras tejen la trama polifónica.

   C. No hay aún una música totalmente instrumental o totalmente vocal, porque toda la música instrumental se puede cantar, o viceversa; sólo hay POLIFONÍA. Poco a poco se van a ir sustituyendo las voces humanas por instrumentos, lo que favorecerá la aparición de una música instrumental que acompañaba a las DANZAS.

VÍDEO: El origen de la polifonía renacentista POLIFONÍA 
       
       D. Aparición de pequeños conjuntos de instrumentos, donde la familia de viento va perdiendo importancia frente a la familia de cuerda (laúd, viola, vihuela…).

       E. Búsqueda del goce sensual en la audición musical.

   F. En la música religiosa la mayor novedad consistió en la aparición de la polifonía coral. 
  En la música medieval cada voz o parte de la polifonía era ejecutada por un solista. En el Renacimiento, por el contrario, varios cantores entonan cada una de las voces, formando así un coro. los coros estaban formados solo por hombres, ya que las voces femeninas estaban prohibidas dentro de las iglesias, y solían tener entre 10 y 14 cantores, que leían la música en grandes libros corales situados sobre un atril giratorio llamado facistol.
  Las composiciones más representativas de la música religiosa fueron el motete y la misa.
   G. La música profana renacentista, que fue cobrando cada vez mayor importancia frente a la religiosa, se basa también en la polifonía vocal. Sin embargo, las voces solistas, y no el coro, continuaron siendo el modo normal de ejecución de la música profana.
  Destacó como género el madrigal y en España el villancico.

    H. La melodía de esta época se construye para transmitir la expresión y el contenido de las palabras, ilustrar musicalmente las ideas del texto. ej: Cielo=melodías ascendentes; Sonido grave (infierno);semitono (dolor, pena).

      I. Se utiliza la MÚSICA FICTA. Es la aplicación por parte de los ejecutantes, de alteraciones no especificadas en la partitura. Reglas que se generalizaron para la resolución de las voces. 

    J. En 1425 aparece la NOTACIÓN MENSURAL BLANCA, que es la notación mensural del Medievo sin tinta negra en el interior. 

     K. Lo que entendemos por COMPÁS se mide a través del tempus ( número de tiempos) y prolatio (subdivisión).El número 3 es el modo Perfecto y el número 2 el imperfecto. Aumenta el uso de compases binarios. 

     L. Surge el TEMPERAMENTO de las investigaciones teóricas sobre las escalas: división de la octava en semitonos. 


 FORMAS MUSICALES  DEL RENACIMIENTO

   A. RELIGIOSAS

   - El motete en el Renacimiento vuelve a ser una composición religiosa  
        Polifónica (a cuatro o más voces)
      Con un único texto, es el mismo texto para todas las voces. Extraído de la Biblia, de la liturgia, o nueva creación escritos por poetas humanistas 
      En latín (deja de ser politextual) 
     Se caracteriza por tener secciones contrapuntísticas y secciones homofónicas que alternan entre sí.   
     Orlando di Lasso fue un destacado compositor de motetes.


    -  La Misa del Renacimiento sólo va a componerse el repertorio del ordinario.       Cada una las partes tendrá la misma estructura del Motete
    La Misa como una sucesión de Motetes. 
   A cuatro voces, exclusivamente vocal, (o con órgano)
    Texto en latín y solo las partes del ordinario. 
   Surgieron varias técnicas compositivas:
     - Misa Parodia, que consiste en tomar una melodía ya existente (popular o compuesta por un músico de la cual toma el título. Ej: L´homme armé) y componer todas las piezas de la misa sobre esa melodía. 
    -  Misa Cantus Firmus o Misa Tenor, que se compone tomando una melodía gregoriana preexistente componiendo las partes del Ordinario como un todo unificado musicalmente. 

 Dentro de la
 MÚSICA RELIGIOSA del Renacimiento debemos diferenciar dos etapas. 
     La primera correspondería a la música polifónica anterior al CONCILIO DE TRENTO  
     La segunda etapa es  posterior al Concilio.


  El Concilio de Trento, trata de crear una música religiosa que sirva de defensa ante el PROTESTANTISMO de LUTERO, y para ello:
     Elimina de la polifonía religiosa cualquier aspecto profano y reclama que el texto sea perfectamente entendible.
     Sigue estando en latín. 
   El Concilio dio normas que pretendían eliminar de la liturgia lo sensual, lo  profano, para que la casa de Dios pudiera ser llamada casa de oración
   La polifonía anterior (Ars Nova) fue considerada como un ruido infernal hasta que PALESTRINA logró redimirla con su extraordinaria Misa del Papa Marcelo (Gloria, Misa Papa Marcelo) .
   En España, el máximo representante de la polifonía renacentista fue TOMÁS LUIS DE VICTORIA, contemporáneo y discípulo de Palestrina.

 En cuanto a LUTERO, el hombre que llevó a cabo la REFORMA PROTESTANTE en Alemania, desde un principio fue consciente del gran papel didáctico de la música en la religión. Por ello mantuvo algunos elementos de la música católica para el culto reformista, pero buscó melodías de carácter popular de fácil interpretación, a las que puso letra de textos didáctico-morales en lengua alemana que sustituyeron al gregoriano. Al principio, estas canciones fueron interpretadas por el pueblo a una sola voz y se acompañaron con el órgano. Luego se armonizaron a cuatro voces y fueron interpretadas por un coro, con lo que se llegó a la creación del CORAL.

   - El CORAL es un canto a cuatro voces, con melodía sencilla y ritmo marcado, de tema religioso.


      B. PROFANAS
  La música profana del Renacimiento comienza a rivalizar en producción e importancia con la música religiosa. No podemos olvidar que la práctica musical era un signo de refinamiento cultural, y un recreo para las minorías cultas y adineradas.
       Las diferencias con la música religiosa:
   - Textos en lengua vulgar y no en latín. 
   - Se da una gran tendencia a los modos eólico y jónico que derivarán en nuestros actuales modo mayor y menor. 
   - Los temas son más originales y no están tomados de los ya existentes. 
  - Para voces solistas acompañadas frecuentemente de instrumentos. 
  - Las formas varían según la nación y están ligadas a la literatura. 
  - Se fija la disposición de las voces del coro que perdura actualmente: soprano, contralto, tenor y bajo. 

        Italia
        Entre finales del siglo XV y principios del XVI se desarrolla en Italia un estilo de canciones polifónicas sencillas y silábicas como reacción al complicado estilo flamenco:
      Frottola es una composición que se deriva de una composición literaria del mismo nombre. La temática es el amor, de carácter popular que se cantaba en fiestas sociales. Normalmente a 4 voces, con predominio de la voz superior. Melodía sencilla, silábica con ligeros adornos, ritmo pronunciado.   
     
     Madrigal es la forma musical italiana más importante del Renacimiento, símbolo máximo de la música profana, que nació dentro del espíritu del movimiento poético iniciado por Petrarca y unido a su poesía.       
  El madrigal es una forma musical polifónica de carácter descriptivo que pretende, a través de la unión de letra y música, expresar los sentimientos del hombre como ser profano. Suele ser a cuatro o cinco voces y a capella, aunque puede, también, llevar acompañamiento. Se da en ambientes cortesanos, como exaltación de unos sentimientos sensuales y amorosos. 
  Sus características son: 
  Lenguaje musical muy difícil, culto y para minorías. 
  Uso del cromatismo y de la lengua vulgar. 
  Contenido amoroso o poético. 
  Gran elaboración contrapuntística combinada con la homofonía. 
  La música trata de dar el sentido de la letra que se canta a veces, incluso onomatopéyicamente El más importante compositor de madrigales  es Claudio Monteverdi (1567-1643), músico que da el paso entre Renacimiento y Barroco. Compone Ocho libros de madrigales y, a partir del quinto, su música es claramente barroca. 
Otros músicos de este estilo son:
  Gesualdo de Venosa (1560-1613), que compone el madrigal más avanzado musicalmente, con gran experimentación en el uso del cromatismo.
   Luca Marenzio (1553-1599), que transmite con la música el sentido del texto.     
     Orlando di Lasso (1532-1594).  
 (Cor Meum, O. de Lasso), (Cor meum, motete a tres voces).
   En Inglaterra tenemos a Thomas Morley (1557-1603), que es el autor más prolífico aunque el más italianizado que puso música a poemas de Shakespeare, William Byrd y Thomas Weelkes (1576-1623). 

   Francia
  La chanson 
  De raíz trovadoresca, destaca por la simplicidad, la espontaneidad y la delicadeza. Trata de temas cómicos, eróticos, el amor cortés. Usa el silabismo y la precisión rítmica francesa. Descriptiva, gusta de imitar el canto de los pájaros, los efectos naturales, etc.. 
En él destacan: Clément  Janequin  con 400 canciones y Claudin de Sermisy.  
  
   Alemania. 
  El lied.-(canción). La música nacional alemana está representada por El lied  bien cortesana (Hofweise) o popular (Volkweise). También se cultivaban los cantos de compañía (Gesellschaftslieder). 
  En esta época los Meistersinger (maestros cantores) componen y cantan lieder a una sola voz, obedeciendo a las rígidas reglas  de un código llamado Tabulatur. Hans Sachs (1494-1576) compuso más de seis mil de esos cantos. 

   España.- 
    
    En la música profana hay una clara influencia de la música popular, y el canto se acerca al gusto del pueblo. La música profana de esta época se recoge en cancioneros como el Cancionero de Palacio (de los Reyes Católicos), el Cancionero de Upsala, El Cancionero de la Colombina o el Cancionero de Medinaceli.

  Las tres formas importantes: 
a) El Romance.- composición poético musical de origen medieval sobre temas de los antiguos romances españoles, común a los cristianos como a los judíos sefardíes. Poéticamente es una composición ilimitada de versos octosílabos en la que riman los versos pares en asonante, dejándose libres los impares. Musicalmente se agrupa en estrofas de cuatro versos, con una misma melodía.  Se conservan muchos en El cancionero de Palacio. 
  Juan del Enzina y Juan Vázquez son los compositores más destacados.

 b) El Villancico.- la forma musical preferida en España. Esta composición, cuyo nombre  significa canción de villanos, es decir, campesinos que viven en villas, no tiene nada que ver con los villancicos navideños. pieza profana, de temas populares. 
Consta de tres partes: estribillo (A), copla (bba) y estribillo (A); por lo general de estilo homofónico. 
  Juan del Enzina es el compositor más destacado y se conservan, sobre todo en  El cancionero de Palacio y es la composición predominante en el Cancionero de Upsala. Hasta más tarde el villancico no se convertiría en una canción de Navidad.
 
  c) La Ensalada.- género polifónico profano en el que se mezclan diferentes estilos ( canción, villancico, romance y danza…); las piezas no tienen nada en común entre sí, sólo que se interpretan seguidas.  
  Destaca Mateo Flecha, con ensaladas como La Guerra, La Bomba o El Fuego.  
  

ESCUELAS MUSICALES DEL RENACIMIENTO

     1.-Escuelas Franco-Flamencas. Siglos XV y XVI (1450 -1550).  Se utilizan varias denominaciones: estilo flamenco, franco-flamenco, del norte.  

      ESCUELA FRANCO-FLAMENCA.- 
     Se desarrolló en las actuales Bélgica, Holanda, Luxemburgo y el norte de Francia. En ella se sucedieron una serie de músicos que influyeron en la evolución de la polifonía del resto de Europa.
      Nos encontramos con 3 importantes escuelas, cuyo estilo  se caracteriza por: ·
     Uso de técnicas compositivas como la Misa Parodia y la Misa Cantus Firmus.
      Desarrollan la imitación y el contrapunto.
    - Música contrapuntística a cuatro voces (cantus, altus, tenor y bassus), y en ocasiones a cinco. 
    Música vocal preferentemente a capella.
    -  Uso de recursos como la Imitación y el Canon.
    Ritmos inspirados en la danza, muy frecuente el compás ternario.
    - Melodías largas y uniformes.
    - Melodía redondeada, fraseada, articulada con  uso de acordes con 3ª (triadas).
    Buscaba adecuar la música al significado de las palabras, expresando cada emoción. 

      - I (1420-1460). Escuela de Borgoña. Dufay, Binchois.

      Guillaume Dufay (1400-1474) es el compositor más importante del s.XV. Fue miembro de las capillas catedralicias de varias ciudades. Se caracteriza por componer misas y motetes en las que combina homofonía y contrapunto imitativo. Destaca su motete Nuper rosarum Flores compuesto para la consagración de la Catedral de Florencia en 1436, y la Misa parodia llamada de L’homme Armé, compuesta basándose en una canción popular con el mismo nombre. Dufay adopta por primera vez la forma que hoy se llama cíclica: las cinco partes del Ordinario de la misa, están todas construidas en torno al mismo canto llano.

      - II (segunda mitad del siglo XV,) el compositor más importante es Johannes Ockeghem (1425-1495).Destaca sobre todo por jugar con las voces de sus composiciones cruzándolas. Una de sus grandes innovaciones es que comienza a escribir de forma simultánea todas las voces de sus obras. Compone una Misa Parodia de L’homme Armé. 

      - III.(abarca los últimos años del siglo XV y los primeros 20 años del siglo XVI  El procedimiento de la imitación a través del canon es muy utilizado.             Aparece un nuevo deseo de comunicar, de expresar. Surge el comienzo de lo que después se llamará música reservata “adecuar la música al significado de las palabras”. El compositor más importante es Josquin Després (o Des Prez) (1450-1521?). Nacido en Francia, pero pasa la mayor parte de su vida en Italia. Cantor y miembro de la Capilla Ducal de los Sforza (maestro de capilla). Aunque da importancia a la dimensión vertical de la música, se dedica a jugar más con recursos contrapuntísticos como la imitación de forma muy desarrollada. Cultiva también la Misa Parodia.  

    Audición: Josquin des Pres, El grillo, Il grillo


      Vídeo: El grillo, Josquin des Prez
                                                                     

      2.-ESCUELA ALEMANA

        La Reforma llevada a cabo por Martín Lutero en 1517 en Alemania tuvo su influencia en la Música. 
         Lutero  estaba convencido del valor ético de la música, capaz de acercar a las personas al bien y a la virtud, por lo que opinaba que todos los fieles reunidos en el culto debían participar en él y no sólo unos músicos profesionales o un coro, como ocurría en Roma, y en el resto del mundo católico. Por estas convicciones creó un himno estrófico, el coral, que se caracteriza por:
         Se basa en melodías populares de gran sencillez, o en melodías gregorianas readaptadas.   
         Se canta en alemán.        
       Es una música que tiende a la homofonía y la homorritmia con el fin de que es texto sea entendido. Lo más importante es el texto. 
       Busca la participación de los asistentes en los actos del rito.          ·       
       La melodía más importante se sitúa en la voz aguda. (de 4 voces).


      3.ESCUELA INGLESA 

       En Inglaterra se puede diferenciar dos estilos: 
        El anthem pleno: forma contrapunpuntística para coro a capella .
       El anthem de versículo: para solista con órgano o viola y breves pasajes alternativos para coro. Ambos se interpretaban en inglés (sustituyendo al latín) en el Oficio de la iglesia anglicana.
        Destacan dos compositores:  Thomas Tallis y Jhon Taverner. 
         El madrigal inglés gozó de gran popularidad con compositores como:
       Weelkes: The Nightingale. En la música instrumental Dowland compuso para el virginal y el laúd.
        Dowland, fue la figura más representativa del ayre inglés, canción que se acompaña con el laúd. Es considerado el precursor de la melodía acompañada.
      Ej: madrigal Come again ( come again).

       
      4.- LA ESCUELA ROMANA

      La respuesta de laIglesia Católica al protestantismo es la Contrarreforma. En el Concilio de Trento (15451563) se fijan los criterios de un nuevo estilo musical con un lenguaje claro y sencillo. El Canto gregoriano seguirá siendo el canto oficial de la iglesia. Se admite la polifonía contrapuntística, pero siempre tiene que prevalecer el entendimiento del texto, por lo que se empleará la homofonía como recurso compositivo. Se recuerda que la música en la iglesia sirve para alabar a Dios y elevar el alma a él, pero no para satisfacer el oído. El uso de los instrumentos será restringido; el órgano es el único permitido fundamentalmente. 
        Se cultivaron dos composiciones fundamentales: la Misa, el Motete.  
       La máxima figura fue Palestrina (1525-1594), cuyo arte engloba todas las técnicas de composición polifónicas. Fue director de la Capilla musical vaticana. Compuso tanto música religiosa como profana, aunque se le considera como el compositor que mejor refleja las intenciones musicales de la Contrarreforma. En sus misas deja la melodía en manos de la voz superior 
      Compuso 104 misas, de las cuales 70, se basan en Cantus firmus gregorianos, destacando la Misa del Papa Marcelo, y la Misa de L’Homme Armée. También compuso 373 motetes religiosos, y 94 madrigales profanos. 
       Palestrina ( motete Sicut servus)


        5.LA ESCUELA VENECIANA
      Durante el Renacimiento la República veneciana goza de un gran esplendor artístico, teniendo la Basílica de San Marcos como centro musical. Desde el punto de vista musical, destaca por un fenómeno nuevo en la composición: la policoralidad.           
        El origen de la policolaridad se encuentra en las características arquitectónicas de la Basílica Bizantina de San Marcos, con su simetría en la colocación de plataformas para los coros. Esta disposición fue copiada en las basílicas construidas en el último tercio del siglo XVI en Venecia, de forma que la música desarrollará un nuevo estilo, muy efectista, que se caracteriza por buscar el enfrentamiento entre diferentes masas sonoras (los coros “spezzati”) .Especie de antífona natural, dado que son dos coros enfrentados, aunque, en este caso, debemos entender por coro una agrupación, sea vocal, instrumental o mixta, que juegan a oponerse: Voces contra instrumentos, niños contra voces adultas, instrumentos de una familia contra instrumentos de otra. 
      Destacan Andrea Gabrielli y Giovanni Gabrielli (tío y sobrino respectivamente) como máximos ejemplos de este estilo y discípulos de A. WILLAERT, fundador de la escuela veneciana y director musical de San Marcos de Venecia desde 1527. 
        Otra de sus características es el aumento del número de voces para reforzar el colorido musical. 
      Magnifica


        6.ESCUELA FLAMENCA
        Orlando de Lasso es su compositor más importante. Viaja por toda Europa y sintetiza el estilo flamenco con el italiano. Cuenta con cincuenta y dos misas, casi todas parodia y, más de mil doscientos motetes. Muy destacable es también su música profana
      AudiciónOrlando di Lasso (Yo te amo").drigales, lieder, chansons… 


        7.ESCUELA ESPAÑOLA

      Es la «Edad de Oro» de la música española, y una de las cimas de la música europea del momento debido fundamentalmente al extraordinario auge de la polifonía vocal religiosa. 
      A la religión sirven los músicos más destacados del momento cuya música permanece fiel al texto con predominio de la homofonía (sobre todo en la música profana) y un uso especial del contrapunto.
      En esta escuela nos encontramos con figuras de la talla de:
         Cristóbal de Morales al frente de la Escuela Andaluza . Polifonista de un misticismo difícilmente superable y de talla internacional. 
      Cristóbal de Morales: Circum dederunt me.
          Su discípulo Francisco Guerrero, llegó a ser maestro de capilla en la Catedral de Sevilla. Músico religioso de intensa espiritualidad su obra se caracteriza por su perfección técnica.
       Francisco Guerrero: Niño Dios de amor herido

          Tomás Luís de Victoria (1548-1611).  En Roma tendrá como profesor a  Palestrina, del que será seguidor de su estilo. Sus obras están cargadas de un gran misticismo, espiritualidad religiosa y una expresividad profunda. Investiga el timbre y la sonoridad mediante la policoralidad en algunas obras; usa silencios con fines expresivos y tiende a la armonía tonal y al cromatismo (signos de modernidad). Para muchos Victoria es el más grande compositor de todos los tiempos. Compuso únicamente música religiosa, tanto misas (20) publicadas en dos libros (en especial misas parodia) como  motetes (50 entre 4 y 8 voces). Destacando su motete Ave María"a cuatro voces. 

       Tomás Luis de Victoria: motete O magnum mysterium.

       Ave María, Tomás Luis de Victoria (coro de RTV española).



                                                    
            FORMAS INSTRUMENTALES:
      La música compuesta exclusivamente para instrumentos hizo su aparición durante el Renacimiento. Los primeros instrumentos para los que se componen piezas musicales son los de  tecla (órgano y clave) y el laúd (el instrumento favorito en Europa); después se hicieron composiciones para instrumentos monódicos, como la flauta, que comenzaron a utilizarse en grupo, de manera que varios pudiesen formar un conjunto capaz de interpretar piezas polifónicas. 
        La viola, que recibía nombres diferentes según su tesitura (viola da gamba, da braccio,...)fue, junto a la flauta, el instrumento preferido para esta música de conjuntos. 
        El Renacimiento fue la Edad de Oro de la música española. El burgalés ANTONIO DE CABEZÓN, organista de la corte de Felipe II, fue el gran músico de su época, y las colecciones de música para vihuela, un instrumento antecesor de la guitarra, se cuentan entre lo mejor de la música instrumental europea del renacimiento. 
      •   DANZA.-Es una obra para ser bailada.
          VÍDEO: Danza renacentista
      •   TOCATA.-Es una obra corta para instrumentos de teclado (órgano, clavecín, clavicordio) que sirve de introducción a una obra de mayor complejidad.




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