LA ÓPERA


La ópera es una obra de teatro musicalizada, es decir, una obra de teatro cuyo texto se canta. 

 ¿CÓMO SE DESARROLLA LA ÓPERA?

La ópera, al ser un arte escénicose desarrolla sobre el escenario
Está organizada en ACTOS y ESCENAS.
En la ópera participan muchos personajes; algunos intervienen con la música y otros no.
La ópera necesita una orquesta y un director, que se sitúan en el foso; esta disposición permite que el director pueda seguir la evolución escénica de los cantantes a la vez que dirige a los músicos.

                               

 La ópera comienza con una música que es interpretada por la orquesta, denominada OBERTURALa obertura es exclusivamente instrumental y se desarrolla antes de que se levante el telón. Está compuesta por una selección de los principales temas musicales de la ópera. 

VÍDEO: OBERTURA

Obertura de El barbero de Sevilla


El ARGUMENTO de la ópera lo interpretan los cantantes a través de arias y recitativos y también interviene el coro..


  El aria es una canción que interpreta un solo cantante en el transcurso de la ópera.
VÍDEO:  ARIA

La Cavatina es un aria de cortas dimensiones que a veces consta de dos tiempos o partes.
VÍDEO: CAVATINA

  El recitativo es un recurso musical a través del cual se narra la acción y permite avanzar en el argumento de la ópera, utilizando la declamación musical, a medio camino entre cantar y hablar.

 El recitativo facilita el seguimiento de la acción. las arias, dúos y el coro sirven para expresar sentimientos o estados de ánimo de los personajes.
VÍDEO:  Recitativo

  A lo largo de una ópera se interpretarán diversas arias, dúos, tríos, cuartetos,...y el coro.

  El coro representa al pueblo

VÍDEO: .coro de gitanos de El trovador, VERDI 

            CORO


                             Rossini: Aria de Fígaro, de El barbero de Sevilla
                             

  EL LIBRETO es el texto de la ópera. Cumple una función parecida a la del guión cinematográfico. En la película el guion es subsidiario de la imagen, mientras que el libreto lo es de la partitura.
  Tradicionalmente los libretos han carecido de todo interés literario, de ahí que se les haya marginado y excluido de la literatura con mayúsculas; de hecho, cuando se habla de una ópera no se suele mencionar el autor del libreto.


VÍDEOS:

              Elementos de la ópera  de  Ángeles Alonso Fernández

               DECORADOS DE Aída   (El Liceo. Barcelona)   MAKING OFF

              El SIGUIENTE ENLACE muestra libretos de óperas:

    



¿CÓMO SE CANTA EN LA ÓPERA? 

















En este género, el canto lírico, el cantante proyecta con la voz,  sonidos y melodías de gran claridad, rigurosidad, precisión y nivel, pudiendo 
prescindir de micrófono para la ampliación del sonido. 
Para ello se usa la técnica de impostación de la voz que permite que esta resuene en  los senos faciales y así se  proyecte in maschera (la máscara no es otra cosa que los senos faciales). 

Por otro lado, destaca una forma de cantar ópera denominada bel canto, el belcantismo.Se Trata de  un término musical italiano que literalmente significa canto hermoso. Hace Referencia al arte y la técnica que se originó a  finales del S. XVI y alcanza su auge a comienzos del S. XIX. Floreció entre 1810 y 1830 y son muchas las óperas compuestas en este periodo consideradas belcantistas. El belcantismo destaca por el uso de rápidas escalas y una ornamentación florida. 

  El belcantismo exige el control  de aspectos como: ejercicios de respiración, fortaleza del diafragma, impostación de la voz, vocalización, entonación, ritmo, fraseo musical, dicción, postura ... como así se  explica en la siguiente presentación: 


VÍDEO: Canto Lirico bases para Iniciados desde Anonimodelcanto


En estos vídeos podrán observar el uso de la voz impostada en las versiones líricas de las canciones siguientes:





MECANO interpretando la canción Hijo de la Luna           





LAS VOCES EN LA ÓPERA 

  Es necesario poder diferenciar que cada ser humano POSEE UNA VOZ distinta. La  voz es un regalo de la naturaleza. Cada voz tiene una  de tonalidad, un registro y una tesitura distinta.      
 Por encima de la  clasificación de Las Voces Humanas más general (Mujeres: soprano- mezzosoprano y contralto. Hombres: tenor, barítono y bajo), existe la siguiente subclasificación:




  La coloratura es la capacidad de la voz lírica de ejecutar sucesiones de notas rápidas. En ocasiones de forma melismática (la vocal de una sílaba se extiende a varias notas seguidas).
  En la actualidad este término se suele aplicar específicamente a la elaborada y florida ornamentación que se puede observar en la música vocal del Clasicismo y del Romanticismo, más específicamente en el BEL CANTO. Sin embargo. la música de los siglos XV, XVI y XVII, en particular la música barroca hasta 1750, ya incluía un amplio repertorio que requería la técnica de coloratura en cantantes e instrumentistas por igual.

 VÍDEO: soprano coloratura 
              coloratura mezzosoprano


  VOCES FEMENINAS:

 1.-SOPRANO: 
La voz femenina más aguda. En  los dramas operísticos es casi siempre la heroína y la protagonista de la ópera. 
En su subcategoría destacan:

      * La soprano ligera es una tesitura más aguda.
    * La soprano lírica está asociada a la juventud y los personajes adorables; suele representar a la enamorada. 
    *La soprano dramáticaestá asociado al personaje de mujer en la madurez , por ello requiere mayores exigencias dramáticas.
     
 2.- MEZZOSOPRANO: 
Voz media femenina. Representa caracteres de mujer fuertes suele o personajes pintorescos en las comedias. Tipos de personajes: madrastras, brujas, mujeres mayores ... Diferenciamos:
           
     * Mezzo dramática: Voz de timbre oscuro, con potencia y amplitud. Se utiliza para retratar a  mujeres mayores, madres, brujas y personajes perversos.

   3.- CONTRALTO
Voz más grave femenina.

                                          Dúo: Dúo de flores
                                    

  VOCES MASCULINAS:

  1.- TENOR: 
La voz aguda masculina. Representan el papel de galanes, seductores, fogosos enamorados y desdichados o héroes que se enfrentan a su destino.
  Subcategorías dentro de esta voz:

      * Tenor lírico: Posee una voz adecuada para realizar agilidades vocales.

  VÍDEOLa donna é mobile, por J.D. Flores

     Tenor Dramático: Voz potente, robusta,  tesitura bastante extensa y al que no se le exige grandes agilidades vocales.

  2.-BARÍTONOS: 
La voz media masculina. Su voz sería adecuada para papeles de nobles y canallas.

  3.- BAJO:
La voz grave masculina. Serán generalmente portadores de la sensatez que dan los años.



VOCES ESPECIALES EN LA ÓPERA:  EL CASTRATI y el CONTRATENOR
                                 

- Castrati: En el S. XVI, la Iglesia Católica no permitía que las mujeres cantaran, y para remplazarlas se recurría a los hombres castrados: Il castrato. Los castrati formaban  parte de las primeras óperas. Hoy en día se utilizan sopranos y contratenores para ese papel. 

  Las ideas libertarias de la Revolución Francesa y más tarde el proprio Napoleón, estableció en Roma la pena capital para quien practicara la castración, e instruyó a su hermano José, rey de Nápoles, para que en ninguna escuela ni conservatorio napolitano se admitiera  el ingreso de niños mutilados. También la Iglesia modificó su actitud permitiendo, a partir de 1798, que las mujeres actuaran en los escenarios teatrales y declarando el papa Benedicto XIV que era legal. Finalmente el papa León XIII en 1902, prohibió definitivamente la utilización de castrados en ceremonias eclesiásticas. Algunas  excepciones se hicieron de todos modos, como Alessandro Moreschi, el ultimo castrado, quien se retiró en 1913, siendo el único que pudo dejar el testimonio de su voz para la posteridad en grabaciones realizadas en 1902 y 1904.

 


El castrato famoso de la historia fue Carlos Broshi, nacido en el siglo XVII, llamado Farinelli, que permaneció en la corte de Felipe V de España más de veinte años como cantante personal del monarca. El rey sufría de lo que se llamaba entonces melancolía ( seguramente depresión nerviosa) y la reina llamó al cantante para calmar esa angustia.

VÍDEO: Voi che sapete, de la ópera Las Bodas de Fígaro, de Mozart


El contratenor.- Es una voz masculina que se apoya fundamentalmente en una ampliación de la resonancia de la voz. 



  
-------- Teatros de Ópera --------

La ópera era un espectáculo reservado a la corte, pero eso fue cambiando y empezó a convertirse en un espectáculo dramático para el público en general. Benedetto Ferrari, músico y administrador, abrió el teatro de ópera de San Cassiano en Venecia, para que fuera accesible a todo el público . Años más tarde, Ferrari abriría otros dos teatros de ópera convirtiéndose  está en un pasatiempo popular.

 Por primera vez en la historia, el teatro no depende del mecenazgo de los poderosos o de las instituciones, sino de una entrada que paga cada espectador. 

  La ópera, como producción teatral, implica el uso de accesorios, DECORADOS, Iluminación, vestuario, maquillaje, así como de un espacio de preparación (bambalinas, VESTUARIOS, camerinos, taller de costura ...), para la representación (el escenario), para el acompañamiento musical (el foso)y otro para el público (el auditorio). Todo ello requiere un esfuerzo cooperativo de mucha gente formada desde el punto de vista técnico y artístico .

  Un teatro de ópera tiene una forma específica para garantizar la buena acústica y VISIBILIDAD. 





VÍDEO: Para CONOCER algunos de los mas Importantes Teatros pincha en:

              El siguiente vídeo muestra el resultado de la remodelación y actualización de El Liceo de Barcelona después del incendio sufrido.
                                                                                        

 


ORIGEN Y EVOLUCIÓN DE LA ÓPERA

 ANTECEDENTES, se ha considerado que éstos estarían en las representaciones medievales de los dramas de la pasión, del nacimiento de Cristo y también en el madrigal, que terminó siendo casi una ópera, sobre todo en los últimos libros de madrigales de Monteverdi. Hay quien ve esos orígenes en las mascaradas, los intermedios, entremeses, ballet de cours ... que combinaban la Música y la acción teatral. 

 ORIGEN.- La ópera se desarrolló en Italia (Florencia) en el S. XVII en las reuniones de la Camerata Fiorentina del conde Bardi, grupo de  humanistas compuesto por Intelectuales y nobles interesados ​​en la filosofía, música, teatro, poesía ... que intentaron hacer obras de teatro  como en la Antigua Grecia, razón por la cual, las primeras óperas trataron de temas de la mitología grecolatina.   Los miembros de la Camerata Fiorentina, preocupados por dotar a la palabra de la máxima expresión, encontraron en la MÚSICA el complemento perfecto del teatro .
  Dafne, de Peri (1561-1633) está considerada como la primera ópera, aunque sólo se conserva el texto. Trataba  de la bella ninfa Dafne, tal como lo relata Ovidio en la Metamorfosis. El dios sol, Apolo, persigue a Dafne y la convierte en Árbol. Este mundo mágico de dioses y semidioses de Ovidio siguió siendo un importante tema  durante la temprana historia de la ópera. Se estrenó en 1594 y se perdió.

  La primera ópera que se conserva íntegra es Eurídice (Euridice) , estrenada en Florencia en  el año 1600. Compuesta por Caccini, con texto de Rinuccini. con motivo de la boda, celebrada en el palacio Pitti de Florencia, de María de Médicis con Enrique IV de Francia.  Eurídice es una ópera, 
en la que ya se incluyen arias, basada en el mito de Orfeo. Eurídice, esposa de Orfeo, muere por la mordedura de una serpiente. Él, roto de dolor, desciende al Inframundo para rogar a Hades que le devuelva a su esposa. Hades, compadecido por su expresivo canto, le permite regresar al Mundo con su esposa, que irá tras él, con la condición de que no mire hacia atrás. La desconfianza de Orfeo hace que en el último momento gire la cabeza y vea como su esposa desaparece para siempre.                                                                                  

  Rápidamente esta nueva creación musical, la ópera, a la que acude la nobleza, se extenderá por otras ciudades italianas, y así en 1637 se abre en Venecia el primer teatro público de taquilla (teatro comercial) , al  que seguirán en poco tiempo, otros teatros, disputándose el público las entradas.

Claudio Monteverdi (1567-1643), médico de Cremona, es el más importante músico italiano de la primera mitad del s.XVII. Él fue quien CONSAGRÓ DEFINITIVAMENTE la ópera. Creía que la música debía conmover al hombre, expresando los más profundos sentimientos.
 La ópera de Monteverdi, Orfeo (Orfeo), considerada como un símbolo del primer barroco,  fue representada el 24 de febrero de 1607, para las bodas del

príncipe de Gonzaga y Margarita Saboya.  L'orfeo, favola in musica , fue la primera ópera en alcanzar un lugar importante y estable en el repertorio operístico. La acción la representan Orfeo y Eurídice, recién casados, ​​junto a ninfas y pastores. 

Aunque Monteverdi pasó algún tiempo en la corte de Mantua, sus principales actividades musicales las desarrolló como maestro de capilla en San Marcos de Venecia. A partir de la apertura de un teatro público en Venecia, estrena algunas de sus óperas más importantes como la Coronación de Popea, Orfeo,...
  Monteverdi dejó de considerar la ópera como espectáculo decorativo e insistió en pintar los dramas pasionales de los personajes. Sus personajes expresan sentimientos humanos, y los instrumentos tienen un sentido expresivo.   
  A su muerte, la ópera era un gran género extendido por toda Europa y especialmente en Italia, donde se formaron tres escuelas:


ESCUELAS DE ÓPERA:

ESCUELAS DE ÓPERA EN ITALIA DESPUÉS DE MONTEVERDI: Romana, Veneciana y napolitana

  1. ESCUELA ROMANA.- distintos mecenas, especialmente la familia Barberini, hicieron posible su nacimiento. Esta escuela se caracterizó por:
  - Ambiente pastoral envuelve las obras. Aparecen numerosas divinidades en complicadas maquinarias. Uso de coros danzantes y riqueza de vestuario.
     - Se concibe como un gran espectáculo.
     - El recitativo tiene poca importancia; ésta la asume el aria, que tiene dos variantes: el aria estrófica y el aria con la forma ABA.
     - Gran importancia del coro.
     - Compositores: S. Landi, L. Rossi.

  2. ESCUELA VENECIANA.- Tuvo un carácter más popular, ya que se hacían para satisfacer al público y no para honrar a un noble. Las óperas eran sufragadas por ricos comerciantes. El primer teatro abierto fue el de San Cassiano (1637). 
Entre los compositores destacó Monteverdi que compuso cuatro óperas para los teatros venecianos, dos se perdieron. Otros autores: F. Cavalli y A. Cesti.

VÍDEO: Monteverdi:  ORFEO obertura

                                 Orfeo, Ninfas

                                    la coronación de Popea   

                                   La coronación de Popea MONTEVERDI: Pur ti miro, pur      ti godo (dúo) 
                                                          
  3. ESCUELA NAPOLITANA.
Nápoles suplanta a Venecia como gran promotora del arte lírico. Se caracterizó por la importancia a lo cómico, de ahí que sea en esta ciudad donde encuentra forma definitiva la ópera bufa y también lo que a partir de aquí se llamará el bel cantoEsta escuela llega a su culmen unos años más tarde que las dos anteriores, con A. Scarlatti (1660-1725), G. Pergolesi y G. Paisiello, y con la construcción de su gran teatro, el San Carlos, en 1737.
  Con Scarlatti la ópera se centra en el aria, pero sobre todo establece ya un tipo de aria que será muy importante, el aria da capo y también una obertura conocida desde entonces como napolitana. Por todo ello se le considera el iniciador de la llamada ópera seria

  
LA ÓPERA EN FRANCIA.
El inicio de la ópera en este país coincide con el reinado de Luis XIV, donde la música se usa para solemnizar los ritos de la corte de Versalles. Su creador fue Lully (1632-72), que afrancesa el estilo italiano y compone música dotada de claridad y orden. Creó un tipo específico de obertura (obertura francesa), que consta de tres tiempos: lento-rápido-lento.

LA ÓPERA EN INGLATERRA.-
La gran figura es Purcell (1659-95) que compone la primera gran ópera inglesa, Dido y Eneas, de gran riqueza tímbrica, armónica y, sobre todo, melódica y rítmica. En ella Purcell se muestra maestro de la declamación, una de las cualidades que más le distinguen. Él preparó el camino para la llegada de Haendel.


LA ÓPERA BARROCA
  A comienzos del s. XVIII se produce una evolución en la ópera y se fijan dos tipos: ópera bufa y la ópera seria.

La ÓPERA BUFA, es de carácter popular, teniendo una gran importancia los caracteres nacionales y el uso frecuente de lenguas vernáculas. A este género pertenecen la ópera comique francesa, el singspiel alemán, la tonadilla y la zarzuela españolas, y la ópera balada inglesa.

Características de la ópera bufa:
- Lenguaje armónico muy rico y variado.
- Los personajes son personas de la clase media que critican a la aristocracia.
- Interviene una pequeña orquesta, pocos personajes y ausencia de coro.
- Uso de elementos folklóricos.
- Se distingue por frases musicales muy cortas, frecuentes repeticiones y abundantes cadencias.

  Prototipo de esta ópera es La serva padrona de G. Pergolesi, cuyo estreno en París desató la guerra de los bufos, entre los defensores de lo bufo y lo serio.

La ÓPERA SERIA surge a partir de la nueva formulación que se le da al libreto por el poeta Metastasio ( a él y a A. Zeno se debe la primera reforma de la ópera barroca), cuyos dramas fueron puestos en música por todos los compositores del XVIII, incluido Mozart.


  Características de la ópera seria:

Las melodías están ornamentadas para el lucimiento de los castratis, en España denominados "capones".
- Tiene un lenguaje armónico rico y variado.
- Temas de carácter mitológico.
- Consta de 3 actos, que son una sucesión de recitativos y arias.
- Se emplean pocos conjuntos y raramente coros.
- El aria, especialmente el aria da capo, es la gran protagonista.
La orquesta, salvo en la obertura, no tiene gran importancia.
- es una distracción para la nobleza.

Haendel fue uno de los compositores más destacados. Compuso óperas como:

                   Ombra mai fu de la ópera Xerxe

La ÓPERA CLÁSICA 
  los excesos de la ópera seria  determinarán que sea necesaria una reforma. Piccini o D. Cimarosa- con su ópera Il matrimonio secreto-ponen las bases de esta reforma que se materializará en Gluck y Mozart.
 La ópera del Clasicismo es una ópera más abierta y liberal. Presenta argumentos más humanos, en los que se pone de manifiesto las pequeñas pasiones; la música es bella y equilibrada. Es un espectáculo para la aristocracia en decadencia, que ya se mezclaba con la naciente burguesía.
  Gluck (1714-87), alemán de nacimiento, es considerado como uno de los compositores de ópera más importantes de la segunda mitad del siglo XVIII. Estrena la mayor parte de su obra en París. Realiza el paso entre el Barroco-Rococó-Clasicismo.
   Es el gran reformador del género, ya que:
- Se opuso a la complicación de los libretos. Otorga mayor relevancia a la trama argumental.
 - Asigna a la música el expresar emociones y caracterizar acciones dramáticas.
 - Suprime los extensos recitativos con bajo continuo ( clave y violoncelo) reemplazándolo por recitativos acompañados de orquesta, disminuyendo así  el contraste del recitativo con el aria
 - Prescinde de los castrati.
-Descartó la coloratura dejando a un lado el aria da capo y el exhibicionismo de los cantantes.
- Elevó la obertura como una parte integral de sus óperas.
 -  Reinstauró el coro dándole una nueva importancia. El coro se integra en la acción de la obra.
  El ballet y la danza forman parte importante de la acción.

  Entre sus óperas podemos citar: Orfeo y Euridice, Alceste, Armide,...
  
  MOZART (1756-1791), es el gran compositor de óperas del Clasicismo, que recogió las reformas de Gluck. 
-Su gran virtud consistió en aunar lo mejor de las corrientes operísticas italiana, francesa y alemana, para crear un nuevo estilo.
- En sus óperas, el carácter de los personajes queda fielmente reflejado en la música que cantan. Según las características de la música, el espectador sabe si el personaje es bondadoso, impulsivo, si pertenece a una determinada clase social, si finge,... 
-Cultivó diversos tipos de ópera:
 . Ópera seria : Idomeneo, Don Juanconsiderada su mejor ópera, en ella lleva al culmen el estilo dramático y el tratamiento orquestal.
  . El singspiel alemán: El rapto en el serrallo, La flauta mágica, 
esta última es la síntesis donde Mozart quiso recoger el virtuosismo vocal italiano, el aria solística, el humor popular, lo bufo e incluso el coralismo.
 .La ópera de carácter cómico: Las bodas de Fígaro, compendio de la ópera cómica italiana con libreto y música vivaces y divertidos; es una ópera bufa que se transforma en una comedia profundamente humana, donde todo se narra a través de la música. Cosi fan tutte, es una ópera bufa con una de las músicas más melodiosas de Mozart.

   La ópera une música y palabra y  el caso de Mozart es de los ejemplos más logrados. Libreto y música se compenetran, así lo podemos comprobar en las óperas que hizo con el libretista Da Ponte: Las bodas de Fígaro (libreto ideológicamente avanzado), Cosi fan tutte (obra intimista basada en un hecho real, que no gozó de buena acogida en su tiempo), Don Giovanni,...

VÍDEOS: 
           La flauta mágica: Papageno y Papagena. La Flauta Mágica (Mozart 
                                          La Reina de la NocheLa Flauta Mágica (Mozart)
                                         Das klinget así Herrlich. La Flauta Mágica (Mozart)
                                                  canción de Papageno ),
             Don Juan: Lá ci darem la mano, Don Giovanni (Mozart)


LA ÓPERA EN EL ROMANTICISMO
 Es una ópera más convencional y conservadora que la del Clasicismo. Es una pura expresión de sentimientos humanos, pero llevados a unas consecuencias desastrosas: muerte, abandonos, locuras, celos. Es la época del belcanto con grandes divos y divas admirados por la burguesía.
  Un DIVO o una DIVA es un cantante de ópera mundialmente famoso que se caracteriza por poseer una voz de gran calidad y que, además, sabe cautivar al publico .



LA ÓPERA ROMÁNTICA EN FRANCIA
En este país nacen tres fenómenos operísticos:

1.La gran ópera que se caracteriza por:
El uso de una gran orquesta implicada en el drama.
  El coro toma más importancia y se implica en la acción.
  Suele tener cinco actos; menos frecuentemente tres.
  Tiene un lenguaje armónico rico y variado.
  Emplea grandes escenografías y decorados que contienen naturaleza.
  Meyerbeer es la figura más importante de la gran ópera, con obras como Los hugonotes y Roberto El Diablo. 
  Otros autores del género fueron Halévy (La judía), Rossini (Guillermo Tell), Bellini (I Puritani), Berlioz (Los troyanos) o Wagner (Rienzi).

2. La ópera cómica, evolucionó durante el imperio de Napoleón III, adaptándose a un nuevo público burgués que busca en la ópera ante todo entretenimiento. la burguesía, entonces en el poder, convierte este género en su favorito, jugando un papel fundamental la construcción, durante la Tercera República, del llamado entonces Teatro Nacional de Ópera o Teatro Garnier, inaugurado en 1875.
  Esta ópera se caracteriza por
   Usar el diálogo hablado.
   Tiene menos cantantes y una orquesta menos numerosa que en la ópera seria.
   El lenguaje musical es más sencillo, con una melodía más graciosa y sentimental.
    Los argumentos son una comedia o un drama semiserio.
    
    Dentro de este género  cómico surgen diversas variantes:

    a) La ópera cómica propiamente dicha: La dama blanca de F. Boildieu.

   b) La ópera lírica, entre la ópera cómica y la gran ópera: Gounod (Romeo y Julieta, Fausto), Saint-Saëns (Sansón y Dalila), Bizet (Carmen,Habanera. Carmen (Bizet).

  c) La opereta, que refleja el espíritu del Segundo Imperio francés, con una música que combina pasajes hablados con cantados, y que nos da una imagen perfecta de la sociedad frívola del momento, y a la vez, es una sátira social y una ridiculización del ambiente político. Sin embargo esta crítica pasa desapercibida por el público que simplemente se ríe con los galops y cancáns que se danzan en aquellas operetas.
 La opereta introduce algunos cambios como:
  Nuevos elementos melódicos y rítmicos de carácter ciudadano.
  Armonías y texturas muy sencillas, pensadas para un público menos culto.
  Presencia de la danza y de ritmos de moda.
  Asuntos sentimentales, satíricos o frívolos, y humorísticos.
 Su primer autor destacado fue Offenbach: Orfeo en los infiernos, Los cuentos de Hoffmann.
  Este género tuvo también un desarrollo importante en Austria con J. Strauss (hijo), autor de El Murciélago, y en Inglaterra con las de Gilbert y Sullivan, como El mikado.


LA ÓPERA ROMÁNTICA EN ITALIA
En Italia, el romanticismo con sus cambios entra más lentamente y la distinción entre ópera bufa y seria se mantienen por un tiempo.
El tránsito entre la ópera del s.XVIII y el S. XIX lo realiza G. Rossini (1792-1868), que representa la culminación de la ópera napolitana del s.XVIII y el comienzo de la nueva época. Compone 32 óperas, alcanzando su primer éxito con su ópera seria Tancredi, a la que siguen varias cómicas como su obra maestra El barbero de Sevilla y la Cenerentola; también cultivó la gran ópera con GUillermo Tell
Su estilo se caracteriza:
  . Oberturas animadas y vibrantes, con solos de instrumentos de madera, especialmente de clarinete, y ritmos muy impulsivos.
  . Melodías de carácter popular, intenso, concebida para deleitar y conmover al público.
  Las arias siguen el modelo: introducción lenta, muy ornamentada, seguida de un allegro para lucimiento del cantante.
  Rossini fue el gran competidor de Meyerbeer en París.

 Hasta la llegada de Verdi nos encontramos con dos compositores importantes:
  G. Donizetti (1797-1848), con obras serias como Lucia de Lammermoor, óperas bufas como L´Elisir d´Amore y Don Pascuale, o cómicas como La hija del regimiento. Su obra está enraizada en la vida del pueblo italiano.
  V. Bellini (1801-1835) estuvo más influido por el romanticismo como se ve en los temas que trata y en el fuerte apasionamiento y dramatismo que da a sus obras. Compone 10 óperas pertenecientes al género serio: La Sonánbula, Norma, I Puritani...Su estilo se distingue una refinada armonía y unas melodías muy expresivas y sentimentales.

  Verdi (1813-1901)es el gran genio de la ópera italiana del s.XIX . Es el heredero de la obra de Donizetti y Bellini. Considera la ópera como un modo de contar el drama humano y, por ello, en sus libretos busca situaciones emocionales intensas. Huye de los temas mitológicos para centrarse en aquellos que puedan ser de interés para el pueblo italiano.
Su estilo se caracteriza por:
  Parte de la tradición italiana.
  Predominio de la voz sobre la orquesta, de esta forma todo se centra en la representación de lo humano.
  Normalmente sus óperas tienen 4 actos o 3 introducidos por un prólogo.
  Riqueza colorística en el uso de la orquesta.

  Su obra se suele dividir en tres períodos:
  1º.- Esta fase es heredera del trabajo de Bellini y Donizetti, aunque ya se ve su poderoso sentido dramático y estudio psicológico de los personajes. Por otra parte, esta etapa está cargada de sentido político e intenta en sus óperas lanzar al pueblo a la liberación del extranjero. Compone una de sus obras maestra, Luisa Miller, Nabucco, I´Lombardi.
  2º.- A esta etapa corresponde Rigoleto, El trovador y la Traviata. También escribe obras de carácter experimental , como  La forza del destino y Don Carlo.  
3º.- Compone Aida, Otello, símbolo del género trágico, y Falstaff, del cómico.

VÍDEO: coro de esclavos de Nabucco.

  EL VERISMO ITALIANO es el último período de la ópera italiana. Se trata de un tipo de ópera de finales del s.XIX, es la que se intenta plasmar la realidad tal como es, describiendo las emociones más primarias de los protagonistas y momentos reales de la vida. Está muy relacionado con el realismo literario italiano.

  G. Puccini (1858-1924) , junto con Mascagni, es su máximo representante. Se considera a Puccini el último gran compositor italiano de ópera. Si bien es en gran parte "verista", no lo es totalmente dado que muchas de sus obras son de ambiente fantástico.
  Su estilo se caracteriza por.
  Los protagonistas son seres humildes
  Su armonía es una síntesis de las últimas aportaciones de Liszt y del impresionismo.
  Orquestación rica y compleja.
  Bellísimas melodías y de gran fuerza expresiva.
  Entre sus obras: Tosca, Madama Butterfly, Turandot...
VÍDEOS:   Turandot: Nessun Dorma. Turandot
                  La boheme:  Che gelida manina. La Boheme (Puccini) 
                  Coro a boca cerrada de Madame Butterfly.

LA ÓPERA ROMÁNTICA EN ALEMANIA.-
Durante el Romanticismo, la ópera alemana conseguirá seguir un camino propio, independiente al italiano. Esta nueva ópera la inicia Beethoven con Fidelio, pero es Weber (1786-1826), el que establece plenamente este género.
  El estilo de Weber se caracteriza por una armonía en la que emplea sonidos inarmónicos sobre tiempos fuertes para crear una atmósfera anhelante, que se traduce en una sensación misteriosa, muy propia del romanticismo. Entre sus óperas: El cazador furtivo, Oberón,...
  Tras Weber y antes de llegar a Wagner, la ópera alemana decae, ya que el romanticismo prefiere la música instrumental.

  R. Wagner (1813-1883), músico controvertido, tiene como ideal crear un tipo de ópera con nivel artístico a la altura de las más grandes músicas sinfónicas. Para ello va a crear un nuevo tipo de ópera que denomina drama. Dentro de su producción artística distinguimos tres etapas:
  1º.- Compone Rienzi, el Buque fantasma, con el que comienza a usar leyendas germánicas,...
 2º.- Se inaugura con Tanhäuser (1845), tratando leyendas medievales y el tema
del amor. A partir de aquí busca lograr la "obra total", con Lohengrin.
  3º.- Compone la tetralogía denominada El anillo de los Nibelungos, que consta de 4 obras: El oro del Rhin, La Walkiria, Sigfrido y El ocaso de los dioses. Su amistad con el rey Luis II de Baviera le permitirá la construcción de un teatro adecuado para representar sus óperas en Bayreuth.
  Mientras compone su tetralogía también escribe Tristán e Isolda, Los maestros cantores de Nuremberg (de carácter cómico), y termina con un drama religioso Parsifal.
               Coro de Peregrinos. Tannhäuser,3 º acto.

  La influencia de Wagner en otros músico será intensa, hasta que Debussy logre liberarse de ella.
  Características de la ópera wagneriana:
  Se basa en la mitología germana
  Su ideal es lograr una obra de arte total", al unir poesía, música, acción, decoración,...siguiendo así el ideal romántico de llegar a esa unión.
  . El punto crucial de sus ópera es la orquesta y no el aria.
 . Enriquece el lenguaje musical con nuevas armonías, cromatismos y una gran riqueza tímbrica (enorme orquesta).
 . Crea el leitmotiv musical, que es el elemento unificador de sus óperas.
 . Utiliza la melodía infinita, que no es un aria a la italiana, pues aquí la melodía se limita a facilitar los diálogos y sostener el texto.


EL NACIONALISMO MUSICAL EN LA ÓPERA.-
 La ópera es uno de los géneros más valorados por las distintas escuelas nacionalistas, ya que se unen dos lenguajes para crear un solo arte, donde se pone en evidencia conjuntamente, folklore, tradiciones, historias,...
  Escuela rusa .- con ella se inicia el Nacionalismo y el género operístico llega a sus cotas más altas. La vida por el Zar, de Glinka, marca el nacimiento de una música típicamente rusa y de una ópera propia, donde se recoge el folklore del país.
  Modesto Mussorgsky destaca con sus óperas Boris Godunov y Khovantchina. Su música tiene una enorme energía dramática; la presencia del pueblo es a través de grandiosos coros. Tiene influencia de la música sacra rusa.
    Peter Chaikovski, menos comprometido con el Nacionalismo, también hace su aportación a la ópera con Eugeni Oneguim y La dama de pique.

  Escuela de Bohemia.- nos encontramos con las figuras de:
     SmetanaLa novia vendida.
    Janacek: Jenufa, ópera verista.


  . LA ÓPERA EN EL S.XX
  A comienzos del s.XX se produce un rechazo hacia la ópera wagneriana y hacia el verismo, que viene impulsada, en un principio, por el simbolismo francés, que intenta crear una ópera que sustituya el realismo por lo simbólico y metafórico, dejando así el campo abierto a la fantasía del espectador.
  Con la llegada de la I Guerra mundial, el rechazo a la ópera tradicional se intensifica aún más ya que la difícil situación económica no permite producciones opulentas, como en general implica la ópera romántica.
  De cualquier forma, algunos compositores siguieron en la línea tradicional, como:
  R. Strauss (1864-1949) con óperas como Salomé, Electra o El caballero de la rosa. Aportó una gran riqueza armónica y orquestal.
  G. Gershwin (1898-1937), muy influenciado por el jazz como se evidencia en su ópera Porgy and Bess (Porgy and Bess).
  G. Menotti (1911), autor ecléctico que funde la melodía pucciniana con las nuevas aportaciones orquestales de Stravinski y técnicas de narración parecidas a las del cine, como se aprecia en El cónsul, El Teléfono.

  B. Britten (1919-1976), autor ecléctico que intenta crear una ópera que llegue al público moderno. sus obras más famosas: Peter Grimes y Billy Budd.


  ÓPERA CONTEMPORÁNEA 
   Englobaría a aquellos compositores que apostaron por un lenguaje nuevo, hasta el punto de preferir hablar de teatro musical, drama lírico,...en lugar de ópera.

  La primera ruptura se produce con Pelléas et Mélisande -basada en el drama simbolista de Maeterlinck- de Debussy, que prescinde de la tensión propia del drama teatral y por un nuevo canto que ya no es operístico en el sentido tradicional. En esta misma línea se mueve Ravel, con El niño de los sortilegios.

  La segunda ruptura se produce con Historia de un soldado (1918) de Stravinski. En esta ópera no se canta sino que el texto es declamado rítmicamente en algunos números. Esta obra aporta otras novedades como la presencia de un narrador que lee el texto, los actores muestran las escenas en forma de pantomima,...En Edipo rey (1927), Stravinski vuelve a utilizar un narrador, pero a la manera barroca: anticipa la acción, como ocurría en el barroco.

  La tercera ruptura, la más importante, se da en la Escuela de Viena con las obras de Schönberg y Berg
  Schönberg compone Erwartung y La mano feliz que se caracterizan por el sonido disonante de la armonía, falta de acordes tradicionales, ausencia de motivos,...


Con A. Berg el lenguaje operístico de la Escuela de Viena llega a su cumbre. Su ópera Wozzeck (1925) causó un gran revuelo y supone una importante reforma del estilo operístico, aportando novedades como: 
   . Se narra un drama humano intenso.
 . Su forma de utilizar la voz es novedosa: une las técnicas expresionistas atonales y dodecafónicas de Schönberg, con el sprechtimme, voz hablada, un intermedio entre canto y habla).
  En1935, Berg compone Lulú, ligada al dodecafonismo, protagonizada por un personaje femenino.

  La cuarta ruptura la establece K.Weill en colaboración con el dramaturgo Bertold Brecht en obras como La ópera de los tres peniques, Happy End,... Weill intenta hacer una ópera entendible por todo el mundo, de ahí que recurra a canciones populares, ritmos de moda,...


Enlaces de interés:

-Términos específicos pertenecientes al argot del mundo de la ópera. Pincha en el siguiente enlace y podrás consultar sus significados: 

- En el siguiente enlace podrán encontrar aspectos relacionados con la ópera de forma sencilla y divertida:


  ASPECTOS NEGATIVOS DE LA ÓPERA

  1.- Es un género muy convencionalEn la ópera, la música y la palabra van unidas, y eso no es fácil de conseguir, por eso, en muchas ocasiones se ha dado prioridad a una cosa sobre la otra. Los ejemplos más logrados serían aquellos donde libreto y música se compenetran, como es el caso de las óperas que Mozart hizo con Da Ponte: Las bodas de Fígaro, Cosi fan tutte y Don Giovanni.
  Si la ópera del XVII fue más abierta y liberal, la del XIX fue más convencional y conservadora.
  2. Mediocridad de los libretos, aunque hay excepciones como en el caso de Mozart con el libretista Da Ponte, o del libretista Boito que trabajó con Verdi en Otelo (esta ópera, junto con Falstaff marcan una importante evolución en el músico).
  Richard Wagner fue músico y libretista de sus óperas
    Ya en el siglo XX nos encontramos con Richard Strauss que compone la música y la letra de la ópera Salomé (de estilo expresionista). Posteriormente, de su unión con el libretista Hugo von Hofmannsthal, compone Electra, El caballero de la rosa,...
  3. Se dice que los grandes músicos no se interesaron por la ópera.
  4. Es un género en el que no se innova, aunque las nuevas tecnologías ya se están usando.
  5. Según Adorno, los momentos álgidos de la ópera coinciden con los momentos álgidos de la burguesía o de las clases privilegiadas.
  6. Acción lenta y argumento inverosímil.
  7. El amor es el tema central.           


 

-------- LA ÓPERA EN EL CINE --------

  El cine ha sido un estupendo medio para popularizar la ópera de forma sencilla y accesible  al gran público; por otra parte, a fuerza que tiene la música para describir y transmitir, ha sido de  gran utilidad para dotar de emoción y dar vida a la imagen.

VÍDEO: Aquí tienes una selección de escenas cinematográficas en las que se ha incluido música de ópera. 
  
  PUCCINI:    Mar adentro. (Turandot. Puccini),
                      Hechizo de luna (La Boheme.   Puccini)



ÓPERA ROCK
                                      Ópera rock
                                      

                                       

                                                             ÓPERA VIRTUAL

. En JUNIO 2013 se estrenó en Tokio la primera ÓPERA VIRTUAL - "El fin" -, protagonizada por la cantante virtual Miku Hatsune. El estreno tuvo un éxito enorme y en el mes de noviembre se estrenó en  París.